"De tijd maakt ons allemaal belachelijk", zei de wiskundige Eric Bell. Het is een citaat dat je waarschijnlijk een paar keer hebt gedaan, meestal wanneer iemand klaagt over het verlies van de goede oude tijd of over de huidige omstandigheden. Het is een deprimerend gezegde dat des te tragischer wordt door hoe waar het vaak blijkt te zijn. Filmfans weten dit goed. Vaak herinneren we ons een oudere film uit onze jeugd als geweldig, of horen we over een oudere film die als klassieker werd beschouwd, en zijn we teleurgesteld als we het nu zelf bekijken en ontdekken dat het de tand des tijds niet heeft doorstaan.
Het deel van dat citaat dat de neiging heeft weg te vallen, is: "Onze enige troost is dat er na ons meer zal komen." Het is soms verleidelijk om klassieke films door de jaren heen te verdedigen als onberispelijke voorbeelden van waartoe films op hun best in staat zijn. We zetten ze zo hoog op een voetstuk dat we voorbestemd zijn om voor altijd naar ze op te kijken, en nooit helemaal hun onmogelijk verheven hoogten bereiken. De waarheid is dat de tijd zelfs de beste films voor gek kan zetten (om nog maar te zwijgen van modernere blockbusters). In plaats van het te negeren, is het misschien beter om te onthouden dat het de weg effent voor grotere dingen die komen gaan.
Hier is Screen Rant's kijk op de 15 klassieke films die slecht zijn verouderd.
15 Mean Streets (1973)
De geliefde filmcriticus Roger Ebert verwees ooit naar Mean Streets als 'een van de bronpunten van moderne films'. Veel fans kiezen er echter gewoon voor om het te onthouden als de eerste echte Martin Scorsese-film. Hoewel dat chronologisch niet klopt, is het geestelijk wel juist. Dit is de film die Scorsese's liefde voor grove taal vestigde (het vestigde een record voor het meeste gebruik van het F-woord), realistische afbeeldingen van misdaad in de stad en het gebruik van gelicentieerde muziek om een scène te creëren. Het is een stijl die Scorcese en vele andere regisseurs in de loop der jaren zijn gaan navolgen en perfectioneren.
Dat is een deel van het probleem met Mean Streets. Het is een ruwe versie die door veel grote visionairs (met name Scorsese zelf) zou worden bewerkt totdat het een tijdloos meesterwerk werd in films als Goodfellas. Er zijn sympathieke voorbeelden van amateurfilms in Mean Streets (vechtscènes die niet gechoreografeerd aanvoelen), maar veel van de film voelt eerder slordig dan rauw aan. Taxi Driver, een Scorsese-film die slechts drie jaar na Mean Streets werd uitgebracht, heeft in de loop van de tijd niets van zijn beet verloren. Het is moeilijk om hetzelfde te zeggen voor deze film die ooit gemakkelijk te prijzen was omdat hij een ander soort misdaadfilm was.
14 The Birds (1963)
De overgrote meerderheid van klassieke Hitchcock-films is ongelooflijk goed verouderd. Het is eigenlijk een beetje beangstigend hoe films als Rear Window, Vertigo en North By Northwest nog steeds weinig moderne filmische gelijken hebben. Het mooie van de beste films van Hitchcock is dat ze je op een bepaalde manier volledig kunnen onderdompelen in hun werelden. Hitchcock gebruikte zijn camera als een schilderspenseel om elke centimeter van elk frame nauwkeurig te detailleren. Het is dit niveau van controle dat hem hielp om "The Master of Suspense" te worden.
Weinig van deze tijdloze kwaliteiten komen terug in The Birds. Er zijn een paar momenten van schoonheid in filmmaken in The Birds, maar dit is Hitchcock op zijn meest ongeïnspireerde manier (wat niet zozeer een belediging is als je denkt dat het is). Een groot deel van de aanvankelijke lof die deze film ontving, had te maken met de speciale effecten van de film. Nu die effecten zo achterhaald zijn, wordt het veel moeilijker om echt in te kopen in het hele uitgangspunt "vogels besluiten mensen aan te vallen". Als je bedenkt hoeveel kilometers de film probeert uit dat uitgangspunt te komen, is dat een probleem. Wat de effectiviteit op de lange termijn betreft, staat dit niet in de schaduw van Hitchcocks vorige genre-inspanning, Psycho.
13 Breakfast At Tiffany's (1961)
Het is gemakkelijk genoeg om te zien wat mensen zagen in Breakfast At Tiffany's toen het voor het eerst werd uitgebracht in 1961. Het was een bewerking van een hitroman, het speelde de onvergelijkbare Audrey Hepburn in een iconische rol en de film is ongelooflijk goed opgenomen (zijn beste art direction Oscar is welverdiend). Het was een romantische komedie in de geest van klassieke films als It Happened One Night, maar met net genoeg moderne relevantie om er een randje aan te geven. Bekijk de film nu echter en u zult zich waarschijnlijk concentreren op een paar dingen die het publiek toen niet deed.
De meest opvallende van deze moderne onthullingen is de vreselijk racistische rol van meneer Yunioshi, gespeeld door Mickey Rooney. Het is een filmanomalie in die zin dat het een afbeelding is die zo openlijk racistisch is dat het racisme bijna overstijgt. Als je verder kijkt dan zelfs die duidelijk gedateerde elementen, heb je nog steeds een film die zijn punt niet vindt. Truman Capote's Breakfast At Tiffany's vertelde het hartverscheurende verhaal van een jong meisje dat haar weg probeerde te vinden in een ruige stad. De grootste zonde van de film is dat het zoveel van de originele verhaalelementen heeft "Hollywoodized" op een manier waarvoor het moderne publiek studio's vaak demoniseert.
12 Saturday Night Fever (1977)
"Maar Saturday Night Fever is een momentopname van de jaren '70!" zegt u misschien. Als dat zo is, dan heb je zeker geen ongelijk. De film van John Badham uit 1977 over een jongen uit Brooklyn genaamd Tony, die gewoon probeert om een leuke tijd te hebben en misschien een beetje bekendheid te verwerven als de beste danser in zijn hoek van de wereld, geeft zeker de geest van de jaren '70 weer. De mode van de film is meestal waar veel mensen aan denken als ze zich de jeugd van deze periode proberen voor te stellen. De soundtrack heeft de Bee Gees en andere disco-legendes voor altijd vereeuwigd, de dansscènes zijn geweldig, de sfeer is levendig en de regie is behoorlijk goed.
De reden dat Saturday Night Fever gedateerd is, heeft niets met muziek of mode te maken en heeft alles te maken met personages. Tony wordt zeer royaal omschreven als een meathead. Hij heeft een one-track mind die er meestal toe leidt dat hij probeert zoveel mogelijk seks te hebben of anderszins een onnodige hel oproept. In deze pre-aids-epidemie was dat misschien gemakkelijker te slikken, maar de promiscue alfamannetjesavonturen van Tony en zijn groep leeghoofdige, sensatiezoekende vrienden zijn vandaag waardeloos. Tony's poging tot verkrachting van Stephanie na een danswedstrijd is waarschijnlijk het moment waarop moderne kijkers ervoor kiezen om verder te gaan met iets anders.
11 getuige voor de vervolging (1957)
Witness For The Prosecution was zeker niet de eerste dramafilm in de rechtszaal, maar het is gemakkelijk om het genre zoals we het nu kennen terug te voeren op de invloeden van deze film. Het is het verhaal van een man die beschuldigd wordt van moord ondanks het zware indirecte bewijs van de zaak. Dingen bereiken een punt waarop zowel de aanklager als de verdediging beseffen dat de hele zaak kan afhangen van de getuigenis van de vrouw van de beklaagde. De rest van het verhaal speelt zich af via een reeks wendingen, het soort dat we zo vaak koppelen aan dergelijke rechtszaalverhalen.
Want hoe innovatief de film in dat opzicht ook was, hij laat ook zijn leeftijd zien in hoe deze momenten zich afspelen. De gebeurtenissen tijdens het proces zijn bedoeld om kijkers te choqueren en te verrassen, maar een groot deel van de shock is in de loop der jaren afgezwakt door de vanille-aard van de zaak zelf. Gezien enkele van de tragedies waarover we dagelijks horen, wordt de moord op een oudere rijke vrouw nauwelijks geregistreerd. Het helpt zeker niet dat enkele van de belangrijkste momenten van de film op een ongelooflijk ham-fisted manier worden weergegeven. In feite, Marlene Dietrichs schreeuw van "Damn You!" is precies daar met Darth Vader's "Nee!" in termen van dramatische leveringen werd komisch. Laten we hopen dat de aankomende remake (mogelijk geregisseerd door Ben Affleck) de komende jaren meer gewicht in de schaal zal leggen.
10 Rebel Without A Cause (1955)
In een tijd dat Amerikanen zich net bewust begonnen te worden van het concept dat tieners hun eigen adolescentengroep zijn, kwam Rebel Without A Cause langs en probeerde een beroep te doen op deze snelgroeiende demografie. Dit was de film die beloofde eindelijk een licht te laten schijnen op deze verkeerd begrepen generatie. Hierdoor trok het evenveel controverse en lofbetuigingen. Hele naties waren bang voor de macht ervan om opstandige tieners aan te zetten. Anderen noemden het gewoon een revolutie.
Tegenwoordig is het veel gemakkelijker om de film te behandelen als een parodie op zijn tijd. In feite zijn er veel aspecten van deze film die geparodieerd zijn. De over-the-top bendes (we zijn een dansnummer verwijderd van West Side Story in deze), het over-the-top acteerwerk (James Dean's "You're taring me apart!" Was de inspiratie voor de aflevering van The Room van dezelfde regel), en het productieve gebruik van oudere acteurs die tieners spelen, zijn allemaal een solide eye-roll waard. Bijna alles in deze film is ontworpen om een emotionele reactie te genereren bij het publiek uit die tijd. Nu is de kans groter dat deze onbedoelde komedie grinnikt.
9 True Grit (1969)
True Grit bevindt zich historisch gezien op een rare plek. Het werd uitgebracht in 1969, drie jaar na The Good, The Bad, en The Ugly en hetzelfde jaar als Butch Cassidy and the Sundance Kid. Kortom, het kwam uit in een tijd dat de westerse film wat grimmiger begon te worden. Ondanks zijn naam probeert True Grit niet echt te profiteren van deze opkomende nieuwe stijl. Het is een klassiek soort western uitgebracht in een tijd dat het genre volwassen werd.
Dat is een deel van de reden waarom de film tegenwoordig een beetje moeilijker is om op te nemen. Het heeft niet echt de ongefilterde onschuldige charme van vroege westerns, en het mist ook de donkere volwassenheid van sommige van zijn tijdgenoten. De ouderwetse manier waarop John Wayne zo zwaar in de film speelt, wordt ook een probleem. Zijn optreden is zeker magnetisch, maar het gaat ten koste van bijna alle anderen. In tegenstelling tot de versie van de film van de Coen Brother, die de ondersteunende helden als gelijken afbeeldt, is de versie uit 1969 duidelijk de John Wayne-show. Het is een achterhaalde leidende man-mentaliteit die bepaalde bijrollen (met name Glen Campbell's La Boeuf) bijna ondraaglijk maakt.
8 An Affair To Remember (1957)
Een affaire om te onthouden begint met een relatief eenvoudig uitgangspunt. Nickie Ferrante (Cary Grant) komt toevallig Terry McKay (Deborah Kerr) tegen. Beiden hebben relaties, maar ze voelen zich duidelijk tot elkaar aangetrokken. Als zodanig komen ze overeen om elkaar over zes maanden weer te ontmoeten in het Empire State Building om te zien waar ze in het leven staan. In een schokkende wending van de gebeurtenissen wordt Terry aangereden door een auto op weg naar het Empire State Building. Als zodanig komt ze niet naar de vergadering en maakt ze geen plannen om Nickie nog een keer te ontmoeten.
Hier begint de film zelf te daten. An Affair to Remember is eigenlijk een remake van een film uit 1939 genaamd Love Affair, wat duidelijk wordt naarmate je een reeks goedkope romantische regels begint te verdragen, zoals 'Winter moet koud zijn voor mensen zonder warme herinneringen' en 'If it had een van ons overkomt, waarom zou ik het niet zijn geweest? " Dit extreme niveau van sappigheid doet afbreuk aan het uitgangspunt dat al op wankele grond stond met zijn "Kan een man echt van een vrouw in een rolstoel houden?" verhaal.
7 The Sound of Music (1965)
Bestaat er zoiets als een harde G-rating? Zo ja, dan verdient The Sound of Music het. Laten we allereerst duidelijk zijn dat onschuldige musicals uit vervlogen tijden niet automatisch slecht verouderen. Mary Poppins is bijvoorbeeld nog steeds een heel slimme en goed gemaakte familiefilm. Singin 'in the Rain is ook een bijzonder briljante film over een overgangstijd in het filmmaken die toevallig een musical is. The Sound of Music is echter een musical om een musical te zijn.
Qua productie zijn de weidse plattelandsopnamen die altijd worden getoond als de film uitgelicht wordt nog steeds indrukwekkend. Wat echter niet typisch wordt weergegeven op die hoogtepunten, zijn de bijna drie uur van doelloze steigerende en langwerpige muzikale nummers die alleen bedoeld zijn om alleen zingende sycofanten aan te spreken. De film is echt een product van zijn tijd in de zin dat hij wordt gepresenteerd als een glorieus eerbetoon aan het zeer populaire live-action muziekgenre. Dat werkte redelijk goed voor het publiek in 1965, maar in 2016 zullen degenen die een geweldige Hollywood-musical willen kijken, tal van alternatieven vinden die een veel meer verhalend doel hebben. De beste delen hiervan zijn te horen op de officiële soundtrack.
6 De geboorte van een natie (1915)
Er zijn twee verschillende standpunten als het gaat om DW Griffith's The Birth of a Nation. De eerste is dat de film misschien wel de belangrijkste film in de geschiedenis van de filmproductie is. Iedereen die een filmschoolklas heeft bijgewoond, heeft dit perspectief gehoord. Voor een film uit 1915 lijkt The Birth of a Nation er bijna op te zijn opgenomen in de afgelopen 10 jaar. Het andere standpunt identificeert deze film terecht als een van de meest openlijk racistische films ooit gemaakt. Dat heeft waarschijnlijk te maken met het feit dat het de Ku Klux Klan afbeeldt als bijna onbezoedelde helden.
Naarmate de tijd verstrijkt, begint de controverse zwaarder te wegen dan het filmische parcours van de film. Het is niet gemakkelijk om Birth of a Nation te zien en voorbij de meest gedateerde sociale elementen te komen. Het is een hindernis die niet veel gemakkelijker te nemen is als je je realiseert dat deze film leidde tot hernieuwde interesse in het KKK-lidmaatschap en oorspronkelijk de titel The Clansman heette. Het vruchtbare gebruik van blackface in de hele film is slechts de laatste spijker in de kist.
5 Easy Rider (1969)
Je kunt de impact die Easy Rider had op het Amerikaanse filmmaken niet overdrijven. Het wordt terecht erkend als de film die heeft bijgedragen aan het begin van wat gewoonlijk het New Hollywood-tijdperk wordt genoemd. Dit tijdperk wordt gekenmerkt door de bereidheid van studio's om Amerikaanse regisseurs een auteurrol te laten spelen en creatieve controle over hun eigen films te hebben. Sociaal gesproken sprak de film tot een generatie Amerikanen die midden in een veranderend cultureel klimaat leefde. Het omarmde de allure van de open weg en pakte de verschrikkingen van bepaalde culturele normen aan.
Dat een film belangrijk is, wil natuurlijk niet zeggen dat hij per se goed verouderd is. Er zijn problemen met deze film vanuit technisch perspectief (meestal gerelateerd aan de verhaalstructuur), maar het echte probleem is de boodschap van Easy Rider. De tegencultuurthema's resoneerden gemakkelijk met een generatie voorbij die zo zelden werd aangesproken door films, maar de avonturen van Wyatt en Billy zullen waarschijnlijk egoïstisch en oppervlakkig overkomen als ze in een modern licht worden bekeken. Deze film sprak ooit mensen aan. Nu schreeuwt het tegen hen met een vermoeide retoriek.
4 Bonnie en Clyde (1967)
Om eerlijk te zijn, er waren een behoorlijk aantal mensen die niet zo gek waren op Bonnie en Clyde toen ze werden vrijgelaten. Degenen die de film niet leuk vonden, noemden het geweld en de seksuele inhoud vaak als de reden achter hun ontevredenheid. Dit was een van de eerste grote releases in de Amerikaanse filmgeschiedenis die geweld echt sensationeel maakte door niet terug te schrikken om het volledig te laten zien. Squibs werden vrij royaal gebruikt voor schoteffecten. Het had ook geen enkele moeite om de zeer seksuele relatie tussen de hoofdpersonages uit te spelen. Uiteindelijk werd de film echter erkend als een historisch belangrijke release die de manier veranderde waarop Amerikaanse films geweld uitbeelden.
Sindsdien is er een overvloed aan films langsgekomen die het geweld van Bonnie en Clyde doen lijken op een tekenfilm op zaterdagochtend. Het zou bijna onmogelijk zijn voor iemand die gestaag naar films van de afgelopen 20-30 jaar heeft gekeken om naar Bonnie en Clyde te kijken en zich geschokt te voelen door alles wat ze zagen. Zonder diezelfde emotionele reactie die de film ooit genereerde, worden Bonnie en Clyde veel opvallender door zijn vaak bizarre presentatie en slordige verhalen. Het zorgt voor een behoorlijk vermakelijke drive-in-film, maar geen film die volgens de normen van vandaag een lieveling zou zijn (hij was toen al genomineerd voor 10 Oscars).
3 The Towering Inferno (1974)
Op het moment van de release was The Towering Inferno een redelijk goed idee voor een grote film. In de voetsporen van The Poseidon Adventure, bevat deze film zoveel sterren als de studio zich kan veroorloven in één gebouw dat in brand is gevlogen en snel uit elkaar valt. Het was een rampenfilm voordat die titel noodzakelijkerwijs op het genre werd toegepast, en het publiek werd aangetrokken door zijn sterrenkracht en spektakel. Het is op die manier eigenlijk een voorloper van de moderne blockbuster.
Er zijn in de loop der jaren veel blockbusters geweest die niet goed verouderd zijn, maar The Towering Inferno onderscheidt zich op een aantal manieren. Ten eerste, hoewel Paul Newman en Steve McQueen altijd grote trekpleisters zijn, zal de sterrenkracht van de film generaties niet overstijgen, tenzij je Fred Astaire en OJ Simpson altijd in dezelfde film hebt willen zien. Vliegtuig! De deskundige ontleding van dit hele subgenre deed de dramatische momenten van deze film ook niet goed. Je kunt maar zo veel "Voor het geval ik je niet meer zie" laatste kusjes nemen en "Hou jezelf vast, vrouw!" momenten voordat je beseft dat dit zeker het product was van een ander tijdperk.
2 Duck Soup (1933)
Je denkt misschien dat films uit de jaren '20 en '30 gewoon gemakkelijk te kiezen zijn. Hoeveel dingen verouderen echt goed na bijna 100 jaar? Er zijn echt heel wat films uit die periode die vandaag de dag nog steeds relevant zijn. De werken van Charlie Chaplin vallen bijvoorbeeld op door hun humor en verrassende emotionele diepgang. Hetzelfde kan niet gemakkelijk worden gezegd van The Marx Brothers. Harpo, Groucho, Gummo en Zeppo Marx waren een komische groep die ooit de toost was van de vroege cinema. Hoewel ze veel populaire films hadden, zijn er maar weinig zo belangrijk geworden als de Duck Soup uit 1933.
Nu Duck Soup kijken is ongeveer het equivalent van het kijken naar een stand-up comedian die grap na grap naar het publiek gooit. Er kan een paar landen, maar het is meer een kwestie van volume dan van fijne humor. Die stijl is zeker op zichzelf gedateerd, en Duck Soup helpt zijn eigen zaak niet door zich te concentreren op politieke humor. Niet alleen zullen veel van de filmreferenties over het hoofd vliegen van de gemiddelde moderne kijker, maar het betekent dat zelfs de beste grappen overkomen, zoals die oude politieke cartoons waar de grap duidelijk is gelabeld, om mogelijke verwarring te voorkomen.
1 Gone With The Wind (1939)
Gone With The Wind is zo synoniem aan klassieke films dat het de status van meme nadert. Als je bijvoorbeeld een goede hotdog eet, zou je kunnen zeggen: "That was the Gone With The Wind of hotdogs." (Misschien wel.) Het is een film-epos in de ware zin van het woord. Deze film, verspreid over meerdere uitgebreide locaties en gepresenteerd in glorieuze kleuren, is gemaakt voor een schokkende $ 3,85 miljoen (ongeveer $ 66 miljoen vandaag), en bijna elke dollar van dat budget wordt op het scherm weergegeven. Het zette een productiestandaard neer die de komende jaren niet geëvenaard zou worden.
Het is ook in veel opzichten behoorlijk verouderd. Vanuit het oogpunt van filmmaken zijn de uitgesponnen scènes en overdreven dramatische uitvoeringen niet meer zo verteerbaar als ze ooit waren. Je hebt ook verschillende ongelukkige momenten van achterwaartse politieke berichten. Gone With The Wind's uitbeelding van slavernij en het 'Oude Zuiden' in het algemeen wordt vaak pijnlijk geromantiseerd. Er is ook de kwestie van de scène waarin Rhett zichzelf aan Scarlett dwingt om hier te geven 'wat er met haar komt'. Er was eens een filmische romantiek, maar nu wordt het vaker verkrachting genoemd. Rhett's verklaring dat zijn daden waren gerechtvaardigd omdat hij te veel had gedronken, het probleem zeker niet verlichtend.
---
Welke andere filmklassiekers zijn volgens jou slecht verouderd? Laat het ons weten in de comments.