Met een internationale kassa van meer dan $ 700 miljoen wereldwijd en $ 354 miljoen in eigen land, kan Patty Jenkins 'Wonder Woman gemakkelijk worden beschouwd als een van de commercieel meest succesvolle films die ooit door een vrouw zijn geregisseerd of geregisseerd.
Het heeft ook over de hele linie overweldigende lovende kritieken gekregen, met een verbazingwekkende score van 92% op Rotten Tomatoes, waarmee het officieel als "vers" werd gecertificeerd.
Hoewel een deel van de lof misschien overdreven is, valt het opmerkelijke succes van de film niet te ontkennen als zowel een werk van entertainment als als een cultureel verzamelpunt voor de vooruitgang van vrouwen in het maken van films.
In dit artikel kijken we terug op de filmgeschiedenis en herinneren we ons de belangrijke rol die vrouwelijke regisseurs daarin hebben gespeeld. Vanaf het pionierswerk van Alice Guy-Blache om kroning Kathryn Bigelow bij de 82 nd Academy Awards, hebben vrouwen altijd in de voorhoede van filmische vooruitgang geboekt.
Om ze te vieren, is hier een lijst met de 16 beste films aller tijden geregisseerd door vrouwen, gerangschikt.
16 The Babadook (2014 - reg. Jennifer Kent)
Bijna elke grote horrorfilm heeft een onderstroom van onderdrukte pijn waarvan de demonen, geesten, monsters en moordenaars een agressieve uitdrukking zijn. Uit deze bekende waarheid heeft Jennifer Kent de meest aangrijpende film over verdriet en depressie gehaald sinds Lars Von Trier's Melancholia en een van de meest ware portretten van ouderschap ooit op film gezet.
In plaats van de metafoor te gebruiken als het belangrijkste argument van het verhaal, bouwt The Babadook het op een basis van ongemakkelijk realistische scènes van moeder-zoonconflicten waaruit het titulaire monster tevoorschijn komt als een logisch hoogtepunt, waardoor de film naadloos overgaat in het rijk van expressionistische fantasie.
Het zijn de duellerende optredens van Essie Davis en Noah Wiseman die de film energie geven en zijn angstaanjagende kracht leveren. De Babadook is de afgelopen jaren ook een symbool geworden voor de LGBTQ-gemeenschap.
15 Jeanne Dielman, 23 Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975 - dir. Chantal Akerman)
Stel je voor: een drie uur durende film die de dagelijkse routine van een alleenstaande moeder volgt als ze opstaat, een bad neemt, haar zoon klaarmaakt voor school, haar appartement schoonmaakt, boodschappen doet, het avondeten klaarmaakt en zichzelf prostitueert (meestal buiten beeld) om de rekeningen te betalen. Jeanne Dielman gebeurt allemaal in lange single takes, waarin geen detail van haar acties wordt gespaard, met een schaarse dialoog en geen gesproken commentaar om haar gedachten te spellen.
Als dit klinkt als een duurtest, is dat tot op zekere hoogte zo. Door elke minuut en elk stukje stilte met ons te delen, test Chantal Akerman ons geduld en ons empathisch vermogen om beter te laten zien hoe belangrijk deze taken zijn voor haar hoofdrolspeler, en welke tol ze langzaam van haar eisen.
Verankerd door een onopvallend verwoestende tour de force lead performance van Delphine Seyrig, is Jeanne Dielman een meesterwerk van sociale horror, waarvan de traag brandende kracht tot op de dag van vandaag ongeëvenaard blijft.
14 14. Clueless (1995 - reg. Amy Heckerling)
Het is dit cruciale detail dat goede tienerfilms van slechte onderscheidt, en Clueless slaat het uit het park. Het is opmerkzaam, grappig en veel slimmer dan het in eerste instantie klinkt - een perfecte match voor de hoofdrolspeler.
13 The Prince Of Egypt (1998 - dir. Brenda Chapman & Simon Wells)
D e Prince Of Egypt is iets van een anomalie in de bijna twintig jaar oude filmografie van DreamWorks: mijlenver verwijderd van de hipheid van de coole kinderen die nu het grootste deel van hun post-Shrek-uitvoer bepaalt.
Deze geanimeerde kijk op het verhaal van Mozes en zijn bevrijding van de Hebreeën uit de Egyptische slavernij is majestueus, eerbiedig en serieus op een manier die zelfs de huidige Disney-producties missen. Door de broederlijke relatie van Mozes en farao Rameses II als centraal punt van conflict te gebruiken, pakt de film van Brenda Chapman en Simon Wells geloof, loyaliteit en liefde aan met een kindvriendelijke openhartigheid die, ondanks de oorsprong van het bedrijf, een veel persoonlijker gevoel geeft. dan de bijbelse heldendichten van weleer.
Eén ding heeft het echter gemeen met klassieke bijbelse heldendichten, is een cast vol sterren met mensen als Val Kilmer als Moses, Sandra Bullock als Miriam, Jeff Goldblum als Aaron en - het beste van alles - Ralph Fiennes als Rameses.
De volledig gerealiseerde menselijkheid van de personages plaatst hun worstelingen met god, macht en bestemming op een vertrouwd niveau en vergroot ze op een manier die ons nederig maakt. Wie had gedacht dat een animatiefilm voor kinderen een van de meest diepgaande religieuze aanpassingen ooit zou zijn?
12 Tomboy (2011 - dir. Céline Sciamma)
Dit vriendelijke verhaal, uitgebracht in april 2011 onder lovende kritieken aan de Franse kassa, volgt een androgyn 10-jarig meisje dat zich verkleedt als een jongen om in haar nieuwe buurt te passen en een wederzijdse verliefdheid op een lokaal meisje ontwikkelt.
Het kreeg onverwachte bekendheid in 2013 nadat conservatieve oudergroepen klaagden dat het aan basisschoolleerlingen werd getoond als onderdeel van een door de overheid gesteund initiatief voor filmstudies. In de context van de recente legalisering van het homohuwelijk in de VS en het verhitte landelijke debat eromheen, werd het idee dat schoolkinderen naar iemand van hun leeftijd kijken die haar seksuele identiteit op het scherm verkent, door tegenstanders gezien als een provocerende aanval op hun onschuld.
Ironisch genoeg is onschuld een van de belangrijkste kwaliteiten van de film. Als een onzichtbare vriendin nodigt Sciamma's camera ons uit in de wereld van haar hoofdrolspeler zonder haar een object van sociologische studie of uitbuiting te maken. Deze intelligente tact maakt Tomboy een van de beste films ooit gemaakt over de performatieve aard van genderrollen en de wazige grenzen tussen de seksen die ze verbergen.
11 The Piano (1993 - reg.Jane Campion)
Met een Palme d'Or op het filmfestival van Cannes, drie Oscars van de acht nominaties bij de 66 ste Academy Awards en $ 140 miljoen aan de internationale kassa tegen een budget van $ 7 miljoen, is The Piano zeker een van de meest succesvolle films ooit gemaakt door een vrouwelijke regisseur.
Het speelt zich af in het 19e - eeuwse Nieuw-Zeeland en vertelt de ervaring van een jonge stomme vrouw die aan een rijke grenswachter werd verkocht en haar strijd voor onafhankelijkheid en zelfexpressie. Dit komt tot uiting in het seksuele contract dat ze sluit met een gepensioneerde blanke zeeman in ruil voor het enige uitdrukkingsmiddel dat ze echt heeft: haar gewaardeerde piano.
Jane Campion brengt de gevoelens van ontheemding, depressie en hoop van haar personage over met een bedwelmende sensualiteit die herinnert aan de grote romantische poëzie van die tijd. Liefde, pijn, wreedheid en hartstocht volgen elkaar op in een bedwelmende dans die culmineert in een wonderbaarlijke finale die jullie zowel opgewonden als opgetogen achterlaat.
10 Fast Times At Ridgemont High (1982 - dir. Amy Heckerling)
Voordat ze de Amerikaanse middelbare schoolkomedie nieuw leven inblazen met Clueless, pionierde Amy Heckerling in 1982 met Fast Times At Ridgemont High. De film slaagt erin om een heel jaar van escapades, hofmakerij en het overtreden van regels te comprimeren tot een stevige speelduur van 90 minuten.
Het volgt een divers netwerk van studenten, variërend van Jennifer Jason Leigh's tweedejaars maagd Stacy tot Sean Penns scene-stelende stoner Jeff Spicoli, terwijl ze navigeren door de generatie, sociale en seksuele hiërarchieën van hun school.
Als een brug tussen American Graffiti en Dazed And Confused is Fast Times At Ridgemont High een ensemble-tienerkomedie waarvan de lach ons evenzeer informeert als vermakelijk is. Heckerling's scherpzinnige regie en vlekkeloze songkeuzes, in combinatie met een onberispelijk uitgebalanceerd scenario met dank aan een jonge Cameron Crowe, tonen een empathisch begrip van de tienerpsyche die maar weinig filmmakers hebben geëvenaard voor of na.
9 The Virgin Suicides (2000 - reg. Sofia Coppola)
"Kennelijk dokter, je bent nog nooit een 13-jarig meisje geweest"
Dat spreekt Cecilia Lisbon, de jongste van een zusterschap van vijf meisjes uit een conservatief katholiek gezin uit de hogere middenklasse in Michigan in de jaren 70, tegen de ongelukkige psychiater die probeert haar zelfmoordpoging te begrijpen. Haar woorden - koud, direct en doordringend - vatten het geheel van Sofia Coppola's eerste speelfilm samen, waarin een groep tienerjongens machteloos getuigen van de mysterieuze desintegratie van de meisjes.
Coppola's focus op de existentiële verveling van bevoorrechte vrouwen en meisjes heeft veel kritiek gekregen, maar haar begrip van de tienerpsyche doorbreekt hier alle klassenbarrières. Dit wordt geholpen door de scherp nauwkeurige uitvoeringen van Kirsten Dunst, Kathleen Turner en James Woods. Afwisselend vrolijk, bitterzoet en onheilspellend, straalt The Virgin Suicides uit met het verhoogde realisme van herinneringen die uiteindelijk versmelten met onze dromen.
8 Persepolis (2007 - dir. Marjane Satrapi & Vincent Paronnaud)
Stripboekaanpassingen worden niet veel beter dan de voor een Oscar genomineerde geanimeerde bewerking van Marjane Satrapi en Vincent Paronnaud van de eerstgenoemde autobiografische graphic novel over opgroeien in Iran in het tijdperk van de revolutie en de verpletterde hoop, hyper-patriarchale tirannie en rebelse emancipatie die daarmee gepaard ging. het. Met behulp van een scherp omlijnde animatiestijl die zwart, wit en grijs contrasteert met een levendig effect, springt Persepolis naar de kijker als een pop-outboek dat tot leven komt.
Deze stijl functioneert als een geïllustreerde herinnering aan een jeugdig geheugen dat alle bijbehorende emoties overbrengt met een vleugje volwassen wrange helderheid. Met een onberispelijk uitgebalanceerde cocktail van zelfspot en bitterzoete melancholie vinden kinderfantasie en adolescente politieke angst een gemeenschappelijke visuele manifestatie die tegelijkertijd de moderne geschiedenis van het land complexeert en demystificeert.
7 Orlando (1992 - reg. Sally Potter)
De androgynie van Tilda Swinton is nooit beter benut dan in deze prachtige bewerking uit 1992 van de baanbrekende roman van Virginia Woolf. Het volgt een Elizabethaanse edelman wiens geslacht op mysterieuze wijze verandert van mannelijk in vrouwelijk, en die vervolgens eeuwenlang seksisme, liefdesverdriet en liefde ervaart terwijl hij de eeuwige jeugd behoudt.
In de handen van Sally Potter wordt deze reflectie over gender, seks, macht en sterfelijkheid een contemplatief sprookje dat zijn publiek meeneemt naar een plaats van tijdelijke vlucht, waar de enige leidende regels de gedachten en gevoelens van de hoofdpersoon zijn.
Hierdoor kan de film door verschillende tijdsperioden glijden zoals een geduldige bezoeker in een museum. Orlando stroomt als een rustige rivier, zelfverzekerd in zijn richting, maar geeft je nooit een volledig in kaart gebracht beeld van de uiteindelijke bestemming tot het perfecte laatste schot.
6 Songs My Brothers Taught Me (2015 - dir. Chloé Zhao)
De meest recente vermelding op deze lijst is een Amerikaanse onafhankelijke film die alleen in theaters in Frankrijk en New York is uitgebracht. Songs My Brothers Taught Me speelt zich af in het Lakota-reservaat van Pine Ridge, South Dakota, en volgt de 11-jarige Jashaun en haar tienerbroer Johnny in hun dagelijks leven, terwijl de onverwachte dood van hun biologische vader hen doet nadenken over hun toekomst en plaats in een gemeenschap die worstelt om te overleven.
De nieuwe regisseur Chloé Zhao schildert de hoop, dromen en angsten van haar personage met een subtiel impressionistisch penseel dat emotionele clichés vermijdt met een volwassenheid die meer ervaren filmmakers zelden bereiken.
Ze eist medelijden of sympathie van haar publiek, maar kiest ervoor om de aandacht te vestigen op de diepmenselijke behoefte van haar personages om verbinding te maken en erbij te horen door middel van subtiele montage, semi-geïmproviseerde uitvoeringen en een camera die zowel alomtegenwoordig als onopvallend is. Kalm, terughoudend en respectvol medelevend, Zhao's film wekt het sociale bewustzijn van de kijker met een stil suggestieve kracht.
5 American Psycho (2000 - dir. Mary Harron)
Mary Harron's bewerking van Bret Easton Ellis 'zogenaamd onfilmbare satirische horrorroman over een gestoorde, vrouwonvriendelijke Wall Street-yuppie - die al dan niet een seriemoordenaar is - heeft het populaire bewustzijn zo grondig doordrongen dat het gemakkelijk is om te vergeten hoe controversieel het was vrijlating. Naast feministische bezwaren tegen de inhoud van het bronmateriaal, deden veel filmcritici het af als gemakkelijk, tandeloos en extreem oppervlakkig.
Hoe begrijpelijk deze kritiek ook is, ze missen de slimme subversiviteit van de verleidelijke stijl van Harron en de zelfbewuste brede uitvoering van Christian Bale. Haar komedie is niet zozeer afkeurend als wel nieuwsgierig; met behulp van thriller-cinematografie en overdreven uitvoeringen van kapitalistische mannelijkheid, keert ze de slanke allure van kunstgrepen tegen zichzelf om de leegte erachter beter bloot te leggen.
4 Passend gedrag (2015 - dir. Desiree Akhavan)
Desiree Akhavans speelfilmdebuut als acteur, schrijver en regisseur, dat in 2015 in de bioscopen werd uitgebracht na een jaar lang geprojecteerd te zijn geweest op filmfestivals over de hele wereld, duidt op de opkomst van een uitzonderlijk scherp en stimulerend nieuw talent.
In een tijd waarin indie-komedies waarin de liefde en het seksleven van neurotische New Yorkers uit de middenklasse centraal staan, bijna net zo uitgespeeld zijn als explosieve actie-blockbusters, is wat Passend Gedrag bereikt ronduit wonderbaarlijk.
Met uiterste precisie en verwoestend nauwkeurige komische timing put Akhavan losjes uit haar eigen ervaring om de identiteitscrisis van de Perzische Brooklynite Shirin te vertellen, terwijl een breuk met haar vriendin haar op een zelfevaluerende zoektocht zet.
Gedurende de hele reis experimenteert ze met seks, probeert ze te voldoen aan liberale feministische verwachtingen en worstelt ze met de beslissing om al dan niet uit de kast te komen bij haar ouders. Als je naar een komedie van zo'n ontwapenende oprechtheid en menselijke nauwkeurigheid kijkt, krijg je hoop voor de toekomst van zowel het genre als de Amerikaanse cinema.
3 35 Shots Of Rum (2008 - reg. Claire Denis)
Claire Denis, bekend om haar filmische meditaties over de impact van de koloniale erfenis van Frankrijk, is een van Frankrijks meest gerespecteerde levende filmmakers, en bij het bekijken van 35 Shots Of Rum is het gemakkelijk in te zien waarom.
In navolging van de Antilliaanse conducteur Lionel en zijn post-adolescente dochter Joséphine terwijl ze genieten van de tijd die ze samen hebben voor hun onvermijdelijke afscheid, weeft Denis een buitengewoon rijk tapijt van het menselijk leven uit eenvoudige alledaagse gevoelens en gebeurtenissen.
Elk personage, elke scène en elke actie voelt tegelijkertijd intiem vertrouwd en oogverblindend nieuw, alsof je de levens van oude vrienden en familie ervaart vanuit het perspectief van een onzichtbare vreemdeling. Je leert deze mensen kennen en verzorgen op manieren die je voor fictieve personages nooit voor mogelijk had gehouden. Cinema wordt zelden genereuzer, complexer en levensbevestigender dan dit.
2 Wanda (1970 - dir.Barbara Loden)
Volgens de traditionele regels van filmische verhalen zou Wanda een complete mislukking moeten zijn. Het is een dun uitgezet, episodisch portret van een gekmakend passieve - en bijna stomme - protagonist die dingen met haar laat gebeuren zonder eigen initiatief, en koppig weerstaat aan pogingen van het publiek om zich met haar te identificeren.
Maar door al deze verhalende bases tot hun absolute minimum terug te brengen, geeft regisseur, schrijver en ster Barbara Loden haar personage een pijnlijke echtheid die anders is dan alles wat een meer conventioneel realistische film zou kunnen produceren.
Als actrice was Loden oorspronkelijk bij het grote publiek bekend als de vrouw van de beroemde filmmaker Elia Kazan. Wanda werd helaas haar enige speelfilm, maar met deze ene film deed ze net zo veel als pionier in de kunst van het filmmaken als haar man met 21.
1 Wonder Woman (2017 - dir. Patty Jenkins)
De prestaties van Wonder Woman verdienen zeker een eervolle vermelding. Omdat zowel de eerste DC Extended Universe-film als de eerste door vrouwen geleide superheldenfilm overweldigend positieve recensies ontving, brak het tegelijkertijd twee negatieve trends. Als een oorsprongsverhaal slaagde het erin bekende beats te raken, terwijl het genoeg details erin paste om iets nieuws te bieden.
Het belangrijkste succes van Wonder Woman als film is inderdaad de manier waarop het de mythische feministische wortels van de heldin gebruikt om anders conventionele verhalende patronen nieuw leven in te blazen - met name die waarbij Steve Trevor betrokken is.
Door Diana's nieuwsgierige ogen, die niet besmet zijn door cynisme, herinnert Patty Jenkins ons aan de betekenis die helden voor ons hebben en corrigeert ze het oppervlakkige misverstand van haar voorgangers over hen. Het zijn de subtiele momenten in de film die de film zo bevredigend maken.
---
Kun je nog andere geweldige films bedenken die zijn gemaakt door vrouwelijke regisseurs? Laat het ons weten in de comments!